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Il mangiar sano su un piatto d’argento … da un’idea rivoluzionaria di Ambrogio Figino

La celebre natura morta “fruttiera di persici” di Ambrogio Figino è stato il quadro che ho utilizzato per iniziare una rubrica dedicata all'arte sulla rivista Diagnosi e Terapia del novembre 2016.   http://www. det.it   La rubrica si chiama ARTE & SALUTE.

Proviamo a pensare ad una vita senza salute, a quel punto anche l’Arte perderà d’interesse. Tutti siamo d’accordo nel dire che la salute è un bene essenziale, ma l’Arte viene subito dopo perché ci eleva spiritualmente.

Che cosa sia la salute è intuitivo ma “che cos’è l’Arte?” è una domanda molto difficile. Contrariamente a tutti quei “professori” che sanno riconoscere le opere d’Arte io ho sempre chiarito che la parola Arte è indefinibile. Quindi occorre molta cautela nell’enfatizzare un’opera.

In questa rubrica affronteremo solo alcuni aspetti dell’Arte pittorica. Ritengo che un quadro debba esprimere concetti, la pittura è una lingua con una sua precisa morfologia e sintassi. Come tutte le lingue serve per esprimere il pensiero di un uomo e comunicarlo agli altri. Il bravo pittore è colui che raggiunge l’eccellenza nell’espressione. Inoltre sono del parere che si possa valutare con onestà intellettuale ogni cosa, ma è più facile farlo su ciò che appartiene al passato.

Fruttiera di persici (pesche), Giovanni Ambrogio Figino, olio su tavola, cm. 21x29,4

Un quadro molto noto col quale ho aperto la pagina dedicata all’arte su Diagnosi e Terapia è la “fruttiera di persici”  di Ambrogio Figino (Milano 1553/ Milano 1608).

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La legge del tempo che passa è uguale per tutti

Il seicento è stato un secolo dove molti pittori inserivano nei quadri simboli di morte, foglie appassite, frutta che iniziava a marcire o anche teschi umani. Presento qui un pittore che ha rappresentato il tempo che passa in un modo decisamente originale. 

LA LEGGE DEL TEMPO CHE PASSA E’ UGUALE PER TUTTI

Lo scorrere del tempo è sinonimo di invecchiamento. Tutto e tutti vanno verso il tramonto. Purtroppo la vecchiaia è un decadimento sensoriale e funzionale di fronte al quale nessuno può sottrarsi. Se una persona vive deve affrontare un evento ineludibile: prima o poi arriveranno le stigmate dell’invecchiamento, con conseguenze negative sull’aspetto fisico e sulla salute. Il tempo che passa è stato ed è un argomento di massimo interesse per gli intellettuali, per i medici e per i pittori. Molti artisti del seicento, sia italiani che stranieri, hanno affrontato questo problema. Tutti, tranne uno, l’hanno risolto inserendo nei quadri dei teschi, oppure fiori appassiti, petali caduti, foglie secche o frutta che inizia a deperire. Segni evidenti per ricordare che prima o poi arriverà il decadimento del corpo e poco dopo la nostra vita finirà. Questi quadri sono indicati dagli specialisti con la parola latina “vanitas”. Tra coloro che hanno dipinto il tempo che passa c’è un pittore bergamasco che lo ha fatto in modo straordinario e originale, il suo nome è Evaristo Baschenis (1617 – 1677). E’ un pittore importantissimo nel panorama storico-artistico mondiale. Ha dipinto pochi quadri e quei pochi si trovano quasi esclusivamente nei musei. E’ noto per aver dipinto complesse nature morte con strumenti musicali come quella qui riportata. Nella storia universale dell’arte la pittura di natura morta è nata a Milano con Ambrogio Figino, il quale dipinse alcune pesche su un piatto d’argento (vedi D&T n.9 del 2016 pag. 11). Nel secolo diciassettesimo questa tipologia di quadri ebbe molto successo: fiori, frutta, generi alimentari erano i soggetti più richiesti. Gli strumenti musicali sono stati dipinti da una ristretta cerchia di artisti. Tra questi il Baschenis si caratterizza per strumenti a corda (violini, mandole, chitarre) spesso appoggiati su pianoforti. Perché inserisco Evaristo Baschenis tra i pittori he hanno dipinto “vanitas”? Perché è l’unico pittore a me noto in grado di dipingere in modo realistico e con massima valentia la polvere sugli oggetti.

Evaristo Baschenis: strumenti musicali. Accademia Carrara, Bergamo.
Olio su tela, cm 75 x 108. 

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Una acquaiola a Venezia

Le portatrici d'acqua, le cosidette "acquaiole" ci sembrano delle figure legate al romanticismo, in realtà erano ragazze attive in quasi tutte le città italiane prima della prima guerra mondiale.

UN’ACQUAIOLA A VENEZIA

Tutti noi siamo abituati ad aprire un rubinetto e subito vediamo l’acqua cristallina sgorgare nel lavello. L’acqua nelle abitazioni la consideriamo una componente indispensabile per definire abitabile una casa.

Andiamo indietro nel tempo. Basta documentarsi un poco per leggere che i primi acquedotti pubblici in grado di portare l’acqua potabile all'interno delle singole abitazioni sorgono negli ultimi anni dell’ottocento e solo nei centri urbani delle città più evolute.

Il quadro che ho scelto è stato dipinto a Venezia nel 1908.

Non parliamo medio evo o rinascimento, abbiamo solo fatto un salto indietro nel tempo di poco più di cento anni. Questo ci basta per capire che la vita di tutti era completamente diversa. Per bere e per cucinare in una città come Venezia si doveva attingere acqua dai pozzi pubblici presenti in molti campielli. Il quadro che propongo è estremamente realistico, raffigura una ragazza su un ponte veneziano, accanto a sé c’è una brocca e un secchio di rame. Queste donne, denominate acquaiole, erano delle lavoratrici indispensabili per la collettività del tempo. Il loro lavoro era molto semplice: andare al pozzo, raccogliere l’acqua e portarla nelle abitazioni. Nelle famiglie comuni questo era l’ordinario lavoro delle casalinghe. Le signore benestanti e le persone con problemi fisici si facevano portare l’acqua in casa da giovani ragazze. Quella che vediamo in questo quadro è sulla via del ritorno, ha il secchio pieno d’acqua e si è fermata nella parte più alta di un ponte. Una breve sosta per riposarsi e per scaldarsi con gli ultimi raggi di un sole autunnale.

Eugene de Blaas – L’acquaiola (the watercarrier) - collezione privata.

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